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'O Túmulo do Batman' escrito pelo renomado Warren Ellis (Autorithy,Transmetropolitan) e desenhado pelo também renomado Bryan Hitch (Capitão América, LJA), é uma minissérie do Batman em 12 edições sem amarras cronológicas, que aposta no lado detetivesco do personagem, ação e uma boa dose investigativa.

Numa noite caótica para o DPGC, Batman vai analisar uma cena de crime, e, o que parecia só um caso isolado e aparentemente sem tanta importância, acaba se desenrolando numa grande conspiração contra as instituições judiciárias e policiais de Gotham. 

O roteiro parece simples, mas estão agregados nele muitos personagens e uma cadeia de causa e efeito rica e complexa, tornando as circunstâncias mais críveis e interessantes. Somado à isso está um dos pontos mais altos da HQ, que são os momentos de análise de cena de crime, a expertise do Batman para resolve-lós e suas técnicas mentais para desvendá-los.

Ellis se preocupa também em mostrar um pouco mais os bastidores de Bruce na Bat-caverna, onde desenvolve a relação do vigilante com Alfred em diálogos extremamente inteligentes, emotivos e com uma capacidade de aprofundamento do laço afetivo entre os dois muito poderosa. 

Alfred funciona muito bem como um alívio cômico pontual e um pilar de sustentação para desenvolver o Batman, suas fraquezas e traumas. Sem dúvidas nessa HQ a figura de Alfred é imprescindível e todo momento em que ele aparece em cena trava diálogos ótimos e provoca a curiosidade.

Gordon também tem uma importante participação fazendo a ligação do Batman com o DPGC como já de costume. A relação entre os dois está em alto nível, acompanhada de bons diálogos e pitadas de humor. 

De modo geral existem três pontos positivos que saltam aos olhos e se distingue de muitos outros materiais em geral: Os diálogos, o desenvolvimento investigativo e as cenas de ação.

Cenas de ação essas que realmente tomam muitas páginas e são bem empolgantes, ainda mais tendo em vista o traço de Bryan Hitch. 

Batman é famoso por sua extensa e rica galeria de vilões que fazem em grande medida parte do sucesso do próprio herói. Entretanto, Ellis, em 'O Túmulo do Batman', tenta em certo ponto criar um novo grande vilão, mas acaba por não ter um sucesso integro. 

As motivações do antagonistas são boas, mas a analogia que se tenta criar entre o Batman e o vilão acaba sendo pouco aprofundada, e demandaria mais tempo e quadros para se criar uma real equivalência entre os dois.

Isso acaba por se refletir em seguida ao desfecho da HQ, que acaba não sento tão impactante quando poderia, justamente devido a falta de aprofundamento entre as conexões entre protagonista e antagonista. A ideia do que Ellis quis criar no final da HQ é realmente muito boa, mas a falta de bagagem por parte do vilão torna a execução frágil. 

Porém, em nenhum momento a HQ se torna pedante. Ela é divertida do começo ao fim, e durante todo o trajeto Ellis faz pequenas críticas, muitas vindas de Alfred, inclusive aos próprios métodos de combate ao crime de Bruce. Voltando à destacar o mordomo, base para entender Bruce.  

'O Túmulo do Batman', apesar de entregar um final aquém do esperado, é uma minissérie criativa, empolgante e cheia de nuances belíssimos, ressaltando sobretudo os momentos investigativos e as conversas de Batman e Alfred, construindo quase que uma relação paterna. Uma HQ que vale muito à pena ser lida por qualquer fã do Batman ou até para aqueles com pouco conhecimento sobre o herói, devido a sua qualidade de não depender de amarras cronológicas.  

Warren Ellis explora as capacidades detetivescas do Batman, sem deixar de lado uma boa briga  

"Pulp" é uma Graphic Novel em 80 páginas escrita pelo renomado Ed Brubaker (Capitão América, Gotham) e desenhado por Sean Phillips (Hellblazer). A HQ conta com um Eisner em seu currículo, tendo sido publicada originalmente pela Image Comics, e no Brasil recebendo tratamento de luxo pela Editora Mino. 

Pulp se passa em 1939 nos EUA, sob o contexto delicado da Segunda Guerra Mundial, e se compromete em contar a história de Max Winters, um já senhor que escreve pulps de faroeste, muito populares nos anos 30. Max vive humildemente com sua esposa, mas aos poucos seu passado, as circunstâncias da guerra e os próprios pulps que ele escreve, vão tomando significados que desenvolvem e aprofundam o personagem.

Brubaker é muito feliz em seu poder em sintetizar as informações de forma natural em cada página, juntando os elementos de maneira simples ao mesmo tempo que traz grande profundidade à obra; desde as críticas sociais até a dramatização das personagens. Nesse aspecto, texto verbal e não verbal se conversam de forma à se complementarem, representando a inteligência no planejamento da história.  

Max conquista rapidamente a empatia do leitor devido as suas condições de um alguém já de idade, humilde e trabalhador, mas enquanto o roteiro se desenvolve essa empatia ganha mais força na proporção que seu passado é revelado. 

A HQ possui um tom de suspense e investigação nos seus momentos finais, e consegue apresentar uma reviravolta bem bacana muito bem situada e condizente com todo resto apresentado. 

Brubaker também critica a própria indústria de quadrinhos e todos os problemas relacionados a propriedade intelectual e a exploração das empresas com os escritores, tudo isso de maneira relativamente rápida, mas com muito afinco e impacto, pois elas ressoam no caminhar da narrativa e têm consequências para a história. 

A Graphic Novel mistura wester, investigação criminal, suspense, elementos históricos, e muitos outros recursos fazendo com que elas se conversem muito bem. O que mais se destaca é o fato de que "Pulp" não fica tentando situar o leitor de forma evidente, mas os elementos visuais e pequenas falas do protagonista vão trazendo mais detalhes sobre seu passado e do que efetivamente está acontecendo em sua vida, e, até mesmo, suas motivações mais profundas. 

"Pulp" traz muito do tom 'noir' empregado por exemplo em Gotham, do próprio Ed Brubaker e Batman: Ano Um, de Frank Miller, enfatizando mais ainda os momentos de suspense. 

A paleta de cores também funciona muito bem, utiliza-se no final tons de vermelho e laranja despertando no leitor um sentimento de urgência e agressividade. Tudo dialoga muito bem com o roteiro, cada quadro parece ser bem pensado e realmente se distingue muito do mainstream.  

Infelizmente a edição não traz extras, mas o cuidado é visível principalmente pela gramatura das páginas.

"Pulp" é avassalador do começo ao fim. Brubaker dá uma aula de narrativa e explora muito bem a linguagem da nona arte somadas aos desenhos de encher os olhos de Sean Phillips. Uma história que melhora a cada nova leitura, e carrega consigo um forte teor crítico e dramático. 

Ed Brubaker e Sean Phillips mostram como produzir uma grande história em poucas páginas

Iniciada sua publicação pela Editora Image nos Estados Unidos em 2018, chega ao fim a série de terror em quadrinhos Gideon Falls, escrito por Jeff Lemire (Sweet Tooth, Condado de Essex) e desenhado por Andrea Sorrentino (Velho Logan, Arqueiro Verde). No Brasil a série foi publicada em seis encadernados de luxo pela Editora Mino, contando com alguns extras e todas as 27 edições.

A HQ se passa na cidade de Gideon Falls e apresenta inicialmente o personagem Norton, um rapaz que diz não ter pai e mãe, e que passa rotineiramente com sua psicóloga, a Doutora Xu. Norton possui um bizarro complexo de revirar os lixos da cidade procurando partes de madeiras e pregos de algo que ele acredita ser uma antiga construção, que logo descobre se tratar do Celeiro Negro.

Em paralelo é apresentado o Padre Wilfred, que possui um passado obscuro, que chega à sua nova paróquia, visto que o então padre teria desaparecido misteriosamente. Conforme a história passa o corpo do outro padre é encontrado, mas com evidencias de que ele havia acabado de morrer, iniciando uma investigação encabeçada pela Xerife da cidade. Conforme esses eventos ocorrem, Wilfred tem uma visão do Celeiro Negro, bem como Norton e a Dra. Xu acabam tendo. 

Gideon Falls é uma história repleta de mistério, reviravoltas e uma boa dose de ação. Os quadros fluem de maneira mais rápida quanto mais o leitor vai sendo cativado pelos personagens e pelos mistérios do roteiro. E vale ressaltar o poder de cada personagem em conquistar a empatia do leitor. Quase todos eles, para não dizer todos, são extremamente carismáticos e possuem um passado bem desenvolvido, apresentando seus traumas e motivações.

Em muitos aspectos o enredo lembra a série Dark, em sua maneira de desenvolver conceitos de multiverso e viagem no tempo, mas mantém peculiaridades de sua própria criação, o que enriquece a obra. Existe, do início ao fim, um sentimento muito presente de urgência e pressa, e de que uma catástrofe de escalas inimagináveis estaria ao encalço dos personagens. Essas sensações não são ditas aos berros pela HQ, ela se dá de forma orgânica através da dinâmica de quadros, arte e fluidez de leitura. 

Andrea Sorrentino sempre otimizou muito sua arte, o que faz dela um fio condutor crucial para contar a história. Em Gideon Falls ele avança mais um degrau e em vários momentos o entendimento do universo está na arte e não numa explicação verbal dos personagens. Além disso, existem quebras da quarta parede em alguns momentos que também se dão pela arte e não pelo texto.  

Apesar de Gideon Falls se tratar duma obra complexa, bem como Dark, seu entendimento não é difícil. O texto de Lemire não é expositivo, ele não pega o leitor pela mão e explica o que é cada coisinha, mas fundamenta e apresenta o contexto geral em que o universo está situado e à partir de estão é com o leitor estar atendo. Isso é uma ótima característica da obra, porque ela não trava para se auto explicar e depois voltar ao que interessa; ela segue ininterrupta. De certa forma, é uma coisa que foge do mainstream das HQs, principalmente de heróis, que possuem uma necessidade de entregar tudo mastigado.  

Lemire mistura terror, multiverso, viagem no tempo, e uma entidade 'diabólica' ao estilo Lovecraft de maneira brilhante, e consegue de forma bem natural unificar os núcleos da história.

Realmente não é sempre que se encontra, em qualquer mídia que seja, uma história com elementos tão complexos e condessar tudo isso em entretenimento de altíssima qualidade.

Sem dúvida a criação da atmosfera de suspense no início da obra é muito bem construída, e logo que os 'mocinhos' e antagonista já estão bem estabelecidos, tem-se sequências de ação eletrizantes. Em especial, no volume quatro (O Pentoculus), é estabelecido um "pseudoclímax" de tirar o fôlego.

A HQ cria uma ansiedade crescente e a adrenalina sobe. Cada vez mais aquela sensação de urgência vai tomando corpo e aos poucos Lemire vai dando a real dimensão do que aqueles personagens realmente estão enfrentando.

Outro ponto favorável é o encerramento da série. Ela é satisfatória, inteligente, e de certo modo volta a lembrar mais uma vez a série já citada da Netflix, mas conservando de maneira primordial suas peculiaridades e o que a faz ser única.

Gideon Falls é uma HQ de altíssima qualidade, que elenca vários elementos difíceis de se trabalhar e tem como resultado final uma trama brilhante, complexa e singular. Jeff Lemire e Andrea Sorrentino fazem um favor à cultura pop criando está todo este universo. 

Jeff Lemire e Andrea Sorrentino se consagram em Gideon Falls como uma das maiores duplas criativas da última década

Publicada originalmente pela Marvel comics em 2019, ‘A Guerra dos Reinos’ chega ao Brasil pelas mãos da Panini Comics. Aqui, a Mega Saga escrita por Jason Aaron (Thor, Justiceiro Max) e desenhada por Russell Dauterman (Thor), se divide em três encadernados capa cartão, que contém a saga principal e derivados.

Esta história é o ápice de um roteiro que vinha sendo escrita por Aaron desde a ‘Marvel Now’, passando pela saga ‘Pecado Original’, pelos eventos de ‘Guerra Secreta’ até culminar em ‘A Guerra dos Reinos’. Tendo isso em vista, sim, é necessário ter lido o que se passou nos pelo menos últimos sete anos do personagem. Mas calma, não se desespere. Se você ler a introdução presente logo no primeiro volume, seu entendimento já será mais preciso; obviamente que não vai ser a experiência de quem vem acompanhando o personagem durante esses anos, mas entender o contexto não será um desafio.

Na HQ Malekith dominou nove, dos dez Reinos existentes, e agora chegou na Terra. Logo os Vingadores se flexibilizam para combater as tropas dos Elfos Negros, e até mesmo Loki está do lado dos mocinhos, entretanto o paradeiro de Thor, o único com poder suficiente para acabar com essa guerra, é desconhecido. 

Logo na primeira edição o leitor já recebe um bela dose de adrenalina. Aaron consegue representar muito bem cada personagem, acertando na química do crossover de maneira muito eficiente. Os elementos da mitologia nórdica são muito bem transportadas para o mundo dos mortais, e a interação dos demais heróis com esses elementos são bem divertidos.

Existem muitos momentos épicos, dignos realmente de deuses, extremamente memoráveis. A cada edição esses momentos vão sendo somados, mas de forma natural, sem forçar situações só por ter essas reviravoltas. Na verdade, Aaron possui um conhecimento muito vasto sobre Thor, e nessa história ele coloca tudo para funcionar. 

Um dos pontos mais altos da HQ, por incrível que parece, é com o Demolidor, que recebe um papel muito bem pensado e desenvolvido, que realmente empolga. A sensação de urgência funciona, o mundo está dominado pelas tropas de Malekith, e até os seres mais poderosos de Asgard estão sobre o poder do Elfo. A guerra é insana e presente, e ver os heróis em ação é muito satisfatório.

Aaron deixa um grande legado para o Thor, realmente é uma fase clássica. Tudo se conversa, desde sua fase em Marvel Now, passando pela a Thor, Thor Indigno, até ‘A Guerra dos Reinos’. Chega ser assustador pensar em como ele conseguiu promover tudo isso de maneira tão eficiente. 

Podemos esperar no futuro até mesmo o MCU bebendo desta fonte para dar continuidade ao Thor da telonas. O mais impressionante é que Aaron coloca Thor como um soberano, um Deus, que durante esses sete anos teve uma evolução moral, um amadurecimento. 

Outro fator que dialoga muito bem é como o Mjolnir interfere em quem é Thor, e o que o faz digno desses poderes. Essa conclusão é muito bem definida nesta HQ. 

Os desenhos são lindos. Russell faz um excelente trabalho em vários sentidos; a forma como a supremacia de Thor é representada por meio dos desenhos é muito boa. A sensação de movimento e velocidade também transparece muito aquela urgência comentada. 

Vale ressaltar as cores, a coloração de superfícies metálicas é muito realista, e a forma como brilha também remete muito o como esses artefatos são dignos de pertencerem aos deuses.

Um clássico instantâneo, simplesmente. A casa das ideias, com todos os méritos para Jason Aaron, produziu um run clássico do Thor, que culmina numa das melhores e maiores saga da Marvel.

Jason Aaron finaliza seu 'run' pelo Thor deixando um verdadeiro Clássico para a Marvel

Crise nas Infinitas Terras foi originalmente publicada ao decorrer do ano de 1985 pela DC comics em 12 edições; escrita por Marv Wolfman (Batman, Titãs) e desenhada por George Pérez (Mulher Maravilha, Titãs). Aqui no Brasil ela chegou pela Panini Comics em uma edição definitiva de luxo com capa dura, contando com 486 páginas, reunindo todas as revistas além de conteúdo extra.

Crise nas Infinitas Terras tinha por objetivo algo muito claro: colocar ordem no universo DC. Na época, existiam tantas terras diferentes no Multiverso, que nem mesmo os editores sabiam mais direito de que Terra pertencia cada personagem. Para resolver esse problema, chamaram Marv Wolfman e George Pérez como equipe criativa, e colocaram a “bomba” na mão deles. Foram quatros anos estudando toda a cronologia DC para se criar uma história que significasse um fim, para se dar início a um novo começo. E nesse quesito eles tiveram grande sucesso.

Na história, universos inteiros estão sendo destruídos por um poder chamado de “anti-matéria”, controlado por um ser até então desconhecido, que cabe aos heróis das Terras 1 e 2 destruir. Colocando assim até parece que a sinopse é simples, mas não se engane. É necessário que o leitor tenha o mínimo de conhecimento prévio sobre alguns personagens e suas respectivas cronologias.

Tendo esse domínio, os acontecimentos se tornam de mais fácil entendimento, e esse é um ponto surpreendente da HQ; apesar da infinidade de personagens e acontecimentos que vão sendo contados através das páginas, ela em nenhum momento se torna confusa. Para se ter noção, se fazem presentes os Titãs, a Liga da Justiça da América, a Sociedade da Justiça, a Tropa dos Lanternas Verdes, A Bat Família, a Patrulha do Destino, os sobreviventes de Krypton, a família Shazam e mesmo assim não foi dito aqui nem a metade do total.

De fato é um crossover épico, Era de Ouro e de Prata dos quadrinhos interagindo sem limites para o que se tem ideia do que pode acontecer. É possível para o leitor sentir o peso das baixas tanto por parte dos heróis, quanto por parte dos vilões. A forma como os poderes, a magia e a ciência trabalham juntas para deter a grande ameaça, também é muito interessante de ser observada.

Se fosse para pontuar defeitos à obra, um aspecto talvez pudesse ser citado: a linguagem ficou um pouco datada, o que pode desestimular alguns leitores mais novos. Assim, não espere em nenhum momento uma leitura rápida e super dinâmica, a linguagem de quadrinhos mudou muito de lá para cá, e Crise estava justamente no meio desse processo de metamorfose. Entretanto, isso não pode nem ser necessariamente listada como um defeito; o tempo passou, e as coisas simplesmente não são mais como eram antes, e isso em nada altera a magnitude e importância da obra.

Se Marv Wolfman faz seu trabalho com excelência, George Pérez não se dá ao luxo de fazer menos do que isso. É inacreditável a quantidade de caracteres e o nível de detalhamento por quadro. Pérez tem ótimos trabalhos como em Titãs e Mulher Maravilha, porém em Crise ele está em seu auge; sem considerarmos as capas, que são um show à parte.

Não poderiam, naquele momento, terem escolhido desenhista melhor ou mais bem preparado do que George Pérez para os desenhos, sem contar que o artista já havia uma afinidade com Wolfman ao trabalharem juntos em Titãs, o que facilitou o entendimento de como contar uma história entre ambos.

Crise nas Infinitas Terras é um divisor de águas entre a Era de Prata e a Era de Bronze das HQs. É uma obra que reúne tudo o que a DC significava como mídia de entretenimento da época, com momentos de subir a adrenalina do leitor causando euforia e ansiedade, ao mesmo tempo que se vislumbrava o fim de um antigo universo e o início de um novo. Uma história de fã para fã, que requer conhecimento prévio para uma total experiência, mas que dentro de toda a sua complexidade, se faz entendida para todos.

Publicado pela DC Comics em 1989, Batman: Asilo Arkham é uma Graphic Novel escrita por Grant Morrison (Homem-Animal, Grandes Astros Superman) e desenhado por Dave McKean (Black Dog, Sandman). No Brasil a edição recebeu tratamento de luxo, com capa dura, contando com vários extras e o roteiro na integrada de Morrison. 

Está havendo um motim no manicômio Arkham, em que vários funcionários estão sendo feito de reféns pelos criminosos liderados pelo Coringa. Obviamente o Batman é chamado para resolver o problema.

Grant Morrison logo nas primeiras páginas de história demonstra que seu roteiro é baseado muito em sua interpretação de ‘Alice no País das Maravilhas‘ (1865). Para entender toda a complexidade criada envolta do Batman é interessante ter entendido a obra de Lewis Caroll. Do contrário, a obra pode acabar perdendo um pouco de seu mérito, e podem ficar algumas pontas soltas daquilo que está sendo desenvolvido. A princípio, o que parece uma enredo simples, vai tomando cada vez mais um ar metafórico.

Em paralelo também é explicado a criação e origem do manicômio, fundado por Amadeus Arkham. O que poderia se tornar a parte mais lenta e desinteressante da HQ, na verdade conversa muito bem com a história que está sendo contada do Batman, além de ser intrigante por si só. Tão intrigante que ela é responsável por toda a carga mais densa de horror, pois a partir da história de Amadeus é que entendemos o que efetivamente Batman está enfrentando, que vai muito além de sua galeria de vilões. 

Morrison é conhecido por escrever histórias que ninguém entende à não ser ele mesmo, e apesar de Asilo Arkham ter sua peculiaridade e profundidade, ela não é de difícil entendimento, principalmente por não depender de nenhuma amarra cronológica dentro do universo regular da DC. Na contramão disso, vão sendo referenciados autores de desconhecimento geral do publico como Carl Gustav Jung e Aleister Crowley, misturando elementos psicanalíticos e místicos.

Morrison discuti sobretudo a sanidade do próprio Batman, num questionamento se ele é são, ou tão louco quanto seus inimigo, com associação principal ao Coringa. No decorrer da estória Bruce enfrenta vários vilões de sua galeria pelo Arkham, mas são embates mais filosóficos que necessariamente físicos. 

Batman em vários momentos faz coisas que não correspondem a sua maneira mais integra, ou coerente de agir. Nesse momento entra muito da interpretação do próprio leitor ao final da HQ, onde, dependendo, elas podem ser justificadas ou não. 

Para ter ideia, Batman chega a implorar por ajuda, num trecho em que ele diz “Socorro! Pelo amor de Deus, faça alguma coisa”. Realmente não são palavras que se espera vir do Morcego de Gotham, mas que, como dito, são justificáveis à partir de sua interpretação ao final.   

Dave McKean dispensa comentários. Seus desenhos poderiam muito bem serem expostos em galerias de arte e deixar qualquer de queixo caído tamanha é sua habilidade.

Por vezes ele parece até estar representando um sonho de Bruce, e a insanidade dos personagens saltam aos olhos do leitor, bom como o horror. 

Outro trabalho muito bem feito é quanto os balões de fala do Coringa. Eles possuem uma fonte própria para as letras, que tiveram de ser adaptadas para receber edição no Brasil.

Batman: Asilo Arkham se consagra com um clássico do Morcego, não só pelos desenhos, como pelas pautas levantadas por Morrison ao longo do conto. Para leitores de primeira viagem a Graphic Novel pode assustar um pouco pela maneira como ela é conduzida, mas numa segunda leitura ela se torna muito mais profunda.

Uma viagem na psique mais mais singular do Universo DC 

Escrito por J. Michael Straczynski, e desenhado pelo renomado John Romita Jr, Homem-Aranha: De Volta Ao Lar foi originalmente publicada em 2001, e agora recebe tratamento de luxo pela Panini em capa dura com 208 páginas, da nova coleção focada no Cabeça de Teia chamada “Marvel Saga”.  

Logo no prefácio nos é apresentados as circunstâncias as quais a HQ fora publicado no passado, explicado como o Homem-Aranha precisava de uma revitalização e voltar a ter seu espaço na Marvel. Missão essa acredita e dada para Straczynski. No geral o acabamento do material segue aquele padrão ‘Panini’, mas conta com um erro de digitação um tanto grosseiro. Mas ‘ok’, relevemos. 

Peter Parker está deslocado, seu relacionamento com Mary Jane foi interrompido, e o peso de ser um homem adulto cai sobre seus ombros. Somados a isso está uma reaproximação com sua tia May. Até que numa noite de patrulha, um homem misterioso com as mesmas habilidades aracnídeas de Parker aparece, e levanta uma grande questão sobre a origem dos poderes de herói, e o alerta sobre uma grande ameaça.

Junto a isso é trabalhado um lado muito humano de Peter, que ao revisitar seu antigo colégio e se deparar com situação precária do local, decide agir de alguma maneira. 

Primeiro, o vilão é bom, e convida o leitor a viver momentos frenéticos de luta, que duram praticamente duas edições inteiras. E em segundo lugar, esse lado humano trabalhado no herói entrega uma carga dramática muito forte para HQ, mas que ao mesmo tempo mantém um certo grau de otimismo, justamente por estamos falando do Aranha, o que é muito legal.

Um dos pontos mais fortes da HQ, é o como é desenvolvido e a forma como Parker revive seu passado. Toda ação e embates envolta do Homem Aranha são interessantes, mas as atitudes de Peter para combater problemas sociais como um cidadão comum é muito mais cativante, e reflete muito mais o caráter de herói. 

Na verdade a HQ pontua alguns aspectos sociais bem importantes e que são inseridas até de maneira um pouco forçada, mas que mesmo assim são válidas e condizem com a história.

Junto a isso está uma a reaproximação da Tia May na vida de Parker, que gera um momento muito emocionante entre ambos. A força de May, transparece e explica muito as forças de Peter.

Já estamos acostumados com os comentários do Aranha enquanto ele luta e tudo mais. Aqui eles não são muito frequentes, e quando aparecem são bem sem graça. A impressão que passa é que Straczynski não estava muito a vontade em escrever essas piadinhas já conhecidas pelo público. Entretanto, isso é um detalhe, e não agride a essência do material.

John Romita Jr. faz um trabalho bom. Na verdade seu trabalho divide fãs, mas ele tem títulos em que se sai melhor como ‘All-Star Batman’ e Kick Ass. Contudo, nos momentos de ação ou violência gráfica é inegável a facilidade com que ele tem de transmitir velocidade e movimento, características essenciais do Aranha.  

Romita entre uma boa arte, que possuem sim suas características que desagradam alguns e agradam outros, mas ainda assim, uma boa arte. 

Homem-Aranha: De Volta Ao Lar é uma HQ que vai te fazer lembrar por que o Aranha é um dos maiores heróis da Marvel. Cheio de ação e com um peso dramático forte e funcional, mas que agregada com a dose do bom e velho otimismo, se faz extremamente forte em sua mensagem. Um prato cheio para os fãs de quadrinhos de super-heróis.

Straczynski assumiu a revista com carta branca para desenvolver o roteiro, e fez ótimo uso dela 

Batman: Universo é uma minissérie escrita por Brian Michael Bendis (Demolidor, Naomi) e desenhado por Nick Derington (Patrulha do Destino), publicada originalmente pela DC Comics, e lançada no Brasil pela Panini. A versão brasileira recebe acabamento de luxo, em capa dura, contando com as seis edições de Batman Universe em 176 páginas. 

Antes de falar sobre a HQ, vale uma contextualização do autor, e da então fase do Batman. Bendis, no final de 2017 fechou um contrato exclusivo com a DC, em torno disso surgiram várias especulações e rumores sobre que revista o escritor iria encabeçar. Muito se falava de um herói com uma temática um pouco mais urbana, como o próprio Batman por exemplo, ou até mesmo o Arqueiro Verde, tendo em vista o ponto forte de Bendis. Entretanto, caiu em suas mãos o que ninguém esperava: o Superman. A fase foi bem polêmica e vários fãs torceram o nariz. 

Mais tarde, em 2019, começou a ser publicado Batman: Universo nos EUA, mas cá estamos com essa histórias em mãos, e bem, está bem longe de uma HQ urbana e sombria. Fato é que, se você espera um material parecido com o que Bendis fez com o Demolidor na Marvel, pode tirar o cavalinho da chuva, não é aqui que você vai encontrar. Mas, não vá pensando que isso seja necessariamente algo ruim, não é disso que se trata, pelo contrário. 

O Batman já há muito tempo remete à uma temática sombria, desde pouco antes de Batman: O Cavaleiro Das Trevas do Miller. Bendis chega com uma proposta não inédita, e sim nostálgica, de um Batman um pouco mais leve, remetendo à série The Brave And The Bold, que ele faz funcionar com grande brilhantismo. Mas vamos entender isso direito!

Logo nas primeiras páginas a HQ já tem a grande capacidade de fisgar a atenção do leitor, tanto pelos diálogos do Batman com o Alfred, quanto pelos desenhos de Derington. Na história o Charada rouba do museu de Gotham um antigo e valioso artefato chamado Ovo de Fabergé. Como já seria de se esperar, existe algo de errado com o artefato, que apresenta um comportamento estranho, que o Batman suspeita ser de origem alienígena. 

A HQ, como já dito, resgata um clima leve, por vezes até engraçado. Isso não diminui a seriedade da história, não é um material que não se leva a sério, mas que tem como principal objetivo divertir. E ela faz isso, com muita eficiência. 

O Batman se encontra com personagens como o Arqueiro Verde, o Asa Noturna, o Exterminador, o Lanterna Verde, e até com o Jonah Hex. Sendo que em todos esses encontros, sem exceção, a química com os personagens é muito boa, e demonstra toda a habilidade de Bendis de criar diálogos espontâneos e extremamente cômicos; com destaque para as conversas com o Alfred também. 

O que no princípio parece ser uma história contida vai tomando cada vez uma escala maior e maior, com mais gente envolvida e menos pautada na realidade. O Batman visita Thanagar, a Ilha Dinossauro e por aí vai. De maneira discreta Bruce solta uma piadinha aqui e outra ali, e fala um pouco mais do que estamos acostumados. Entretanto o bom e velho detetive focado está lá, e em alto nível. 

De fato essa mudança de comportamento do Batman pode ser estranho para alguns fãs. Saindo da fase do Batman escrita pelo Tom King e embarcando nessa minissérie, a diferença no peso da história é gritante. Isso não é uma questão da história ser boa ou ruim, e sim de ser uma proposta agradável ou não. De certo modo é uma proposta que poderia dar bem errado tendo em vista o que o Batman é hoje e o desagrado por parte da fase de Bendis no Superman. Felizmente, Batman: Universo é surpreendentemente bom. 

Ele têm seus momentos falhos, que tentam emocionar e acabam não funcionando, e por vezes uns detalhes ficam soltos e o leitor precisa ligar uns pontos meio desnecessários. Mas, repetindo, no que ele se propõem fazer, executa de maneira brilhante.

Além disso ela é uma HQ criativa, com boas resoluções, e inteligente. Ela consegue juntar personagens que “jamais” seriam imaginados juntos numa determina situação, e contar uma sequência de acontecimentos e diálogos muito legais, e que podem tirar até mesmo umas risadas. 

Os desenhos de Nick Derington estão fabulosos. A ilustração é muito flexível em ser séria quando precisa, e mais despretensiosa nos momentos mais leves. 

Um outro ponto forte são os ângulos, um pouco mais cinematográficos, que passam bastante dinâmica e fluidez para a leitura.

Batman: Universo chega com uma proposta mais nostálgica e leve, que é brilhantemente desenvolvida por Bendis, e toma vida através do traço de Derington. Um material de leitura rápida, mas muito prazerosa e satisfatória, que poderá ser lembrada com muito carinho pelos fãs.

Em paralelo com a fase de Tom King no Batman, Bendis traz uma visão mais otimista para o Morcegão

Publicada originalmente pela Marvel Comics em doze edições, a HQ Visão conta com roteiros do renomado Tom King (Batman, Sr. Milagre), e desenhos de Gabriel Hernandez Walta (Doutor Estranho) e Michael Walsh (Hammer Of Justice), exclusivamente na edição de número sete. No Brasil o material fui publicado pela Panini em dois encadernados de luxo capa dura; o primeiro chamado “Pouco Pior Que Um Homem”, contando com as seis primeiras edições. Já a segunda chamada “Eu Também Serei Salvo Pelo Amor”, que reúne as outras seis últimas edições.

A história gira toda em torno do Visão que agora possui uma família, vivendo em sua nova casa com sua esposa Virgínia, seu filho Vin e sua filha Viv. Visão tenta portar-se como um pai de família perfeitamente normal e feliz, sua esposa assume as tarefas de casa e Vin e Viv vão todas as manhas para a escola. Entretanto, a forma American Way Of Life não funciona tão bem para os androides, e cada um deles tenta encontrar seu espaço em meio a esse desconforto.

A leitura exige um conhecimento mínimo de quem é o Visão para um melhor aproveitamento da obra, visto que mais para as últimas edições, o autor retoma um pouco da cronologia do personagem e seu histórico com a Wanda (Feiticeira Escarlate). Mas felizmente ela não é crucial para o entendimento do todo.

É muito interessante o desenrolar da história e a forma como momentos extremamente bizarros acontecem de maneira que sejam coerentes com o contexto. Tom King trabalha muito bem o desenvolvimento e a evolução de cada membro da família, tornado cada um deles muito humano. Ele pontua temas de maneira delicada, mas que se fazem muito presente na sociedade, como o Bullying que os irmão sofrem na escola, essa falsa imagem que a família Visão tenta passar para os demais, o preconceito e principalmente a auto aceitação.

A forma com que todos os atos da família acabam se tornando uma bola de neve inevitável e a situação que cada um chega, faz com que o enredo tenha uma carga emocional muito forte. 

Edição após edição, o drama que a família vive vai cada vez mais instigando a curiosidade, de forma a tornar a leitura fluida, apesar de não ser rápida. Ao mesmo tempo faz com que cada diálogo ou quadro de pensamento se faça extremamente importante para a empatia do leitor com os personagens.

No geral, é uma leitura densa, pesada, não pela violência gráfica, mas pelo sentimento que ela passa e por acertar tão bem o feeling de quando a obra foi lançada e a realidade da sociedade nos dias de hoje.

Walta se sai muito bem em Visão. Como a história tem um apelo dramático muito forte, as expressões faciais das personagens precisam ser bem críveis para causarem impacto, e isso está muito bem feito no quadrinho.

Além disso, os momentos de violência gráfica ou que tem sangue presente são bem sujas; o que contribui para demonstrar a gravidade dos fatos e/ou até mesmo o desespero daqueles presentes na cena.

Os posicionamentos de quadros estão muito condizentes com a linguagem da obra, e as cores serviram tão bem quanto uma luva. A parte gráfica do quadrinho não deixa em nada a desejar do resto da história, muito pelo contrário, elas se conversam e completam. Merece também aqui um destaque para as capas de Michel Del Mundo e Marco D`Alfonso, são todas muito bonitas. Cabe ressaltar também, que na edição sete, na qual o desenhista é alterado. Aparentemente ocorre por intenção e estratégia de como contar o enredo, visto que faz relação com um Flashback do Visão. Infelizmente, a arte destoa um pouco do resto, porém não se torna comprometedora para a experiência de quem está lendo.

Visão, é um clássico moderno. Dentre tantos materiais medíocres e monótonos saindo no mercado hoje, essa HQ chega com uma proposta diferente, mais reflexiva e cumpre seu objetivo de maneira brilhante. Um quadrinho que deixa um legado muito positivo para novas obras que estão por vir e que pode gerar muita discussão sobre a sociedade atual. Denso, inteligente e simplesmente brilhante.

Tom King reinventa Visão sob uma nova perspectiva familiar  

Superman Entre a Foice e o Martelo é um quadrinho originalmente publicado nos EUA pela DC comics em 2004, e aqui no Brasil tendo reimpressão pela Panini Comics em 2019, num acabamento de luxo, contanto com capa dura, papel coche em 172 páginas no formato americano. A edição também conta com os roteiros de Mark Millar (Guerra Civil) e arte de Dave Johnson. 

Na história, ao invés da nave do bebê Kal-El, o futuro Superman, cair nos Estados Unidos, ela acaba caindo na Ucrânia Soviética no ano de 1938 e com isso o kryptoniano passa a fazer parte do governo socialista ao lado de Stalin.O quadrinho não só faz uma releitura de Superman, como também de outros personagens icônicos como Lex Luthor, Louis Lane, Mulher Maravilha, Lanterna Verde e até mesmo do Batman. E de fato, essa repaginada nas personagens foram muito válidas, principalmente a do Morcego, que rouba as cenas com sua nova versão.

O contexto histórico como pano de fundo, mostrando o “como seria” caso os soviéticos tivessem em mãos uma arma como o Superman e acima de tudo, como ele iria se comportar perante esse regime, agrega muito à obra, fazendo um questionamento aos atos e moral do herói.

Além disso, apesar do forte teor crítico, a leitura não deixa de ser em nenhum momento, a de um quadrinho de heróis, o que é extremamente positivo. O roteiro flui de forma dinâmica e o leitor não se sente enrolado pelos acontecimentos; esses que de fato impressionam e pegam qualquer um de surpresa. Cabe aqui lembrar que Superman Entre a Foice e o Martelo não faz parte do universo regular dos super heróis da DC, e que por isso a liberdade criativa do roteirista é muito maior, o que Mark Millar aproveita muito bem.

O desenvolvimento da HQ é praticamente infalível, visto que traz uma premissa muito boa, alcança o climax de forma orgânica e coerente com o mundo estabelecido e se encerra de uma forma realmente de explodir cabeças. As motivações de cada personagem são muito bem estabelecidas e condizem muito com o teor político da obra na luta entre a direita e a esquerda, mas de forma que não se limite somente a isso.

Em termos gerais, a obra conta uma história realmente digna de ser considerada clássico do azulão, de maneira a manter a essência do personagem num contexto totalmente fora da curva, e em situações que jamais pensaríamos em ver o Superman ser colocado.

Os desenhos de Dave Jonhson e demais artistas não são grandiosos ou daqueles que de encherem os olhos ao leitor, porém, nesse quadrinho em especial, suas artes têm um destaque muito condizente com o contexto em que a história está inserida. Seus traços reluzem as antigas propagandas soviéticas, o que realmente passa a sensação de se estar num mundo totalmente dominado pelos socialistas. A tonalidade de cores também se altera levemente quando estamos em território capitalista, fazendo um contraste.

Os desenhos realmente dialogam com o desenvolvimento do roteiro e ajudam no entendimento do mundo proposto. Nos momentos de ação ela mantem a qualidade e as páginas inteiras são muito ricas em detalhes. Além disso, vale ressaltar o visual criado para os personagens, que ficou um trabalho muito digno e bem feito, como na imagem ilustrativa.

Não atoa Superman: Entre a Foice e o Martelo é considerado por muitos um clássico dentre muitas das histórias do Super. A HQ é escrita com maestria por um dos grandes nomes de roteiristas de quadrinhos da atualidade, que é Mark Millar, e acompanhado de desenhos que contribuem para o todo da obra. Praticamente indispensável para as prateleiras de fãs de quadrinhos de super-heróis.

Análise | Superman: Entre a Foice e o Martelo

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